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Cine y teatro actuación-Federico Herrero conceptos
#1
El actor de cine y teatro.
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Federico Herrero y Nicolás Francisco Herrero, especialistas en artes y ciencias del actor, publicaron en el: Teatro Escuela Central, un trabajo de investigación, tema:

-El actor de cine y teatro-.

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Federico Herrero y un concepto inicial en el trabajo. En primer lugar, todo actor, más allá del medio en que trabaje, debe comunicar ideas y emociones a su audiencia y esto es inclaudicable.



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Ahora bien, si nos proponemos entender, comparar y diferenciar la actuación teatral y la cinematográfica, encontraremos algunos puntos en común pero también muchas disimilitudes, opina Federico Herrero.


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El cine nació a fines de 1895 cuando finalmente el hombre con el auxilio de la tecnología pudo reproducir y proyectar el movimiento frente a los espectadores, tal como se producía delante de sus ojos. Lo que antes había sido una mera ilusión, era ahora una realidad promisoria que cambiaría radicalmente el mundo del entretenimiento. Lo cierto es que el nuevo arte se nutrió de una vasta y extensa herencia cultural proveniente de la pintura, la narrativa, el teatro y la fotografía, especialmente.

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El lenguaje cinematográfico supo capitalizar 24 siglos de tradición teatral. Los planos generales, la cámara fija, los telones pintados, las entradas y las salidas de los personajes dentro y fuera del encuadre, la gestualidad y el maquillaje exagerado en los actores de las primeras películas, daban la sensación de presenciar una función de teatro filmada, particularmente en las producciones del francés George Melies, un mago que usó el cine para continuar hechizando a los espectadores con el apoyo el nuevo lenguaje.

Melies junto con sus colegas norteamericanos sentaron las bases para el cine de ficción, donde los actores tendrían, tienen y tendrán una importante coparticipación.

Si bien estos primeros filmes utilizaron actores de teatro, vodevil, cabaret, circo y pantomima, la evolución del nuevo medio empezaría a reclamar un tipo de actuación diferente de la que daban estos predecesores.

Vamos a analizar estas semejanzas y diferencias desde tres categorías diferentes: el instrumento del actor, la base técnica de la actuación y la naturaleza del lenguaje.

Federico Herrero y Nicolás Francisco Herrero determinan: en cuanto a la primera, tanto en el teatro como en el cine, el actor siempre usará su cuerpo como herramienta e instrumento expresivo, lo que cambiara es el modo en que este instrumento se use.

Como el teatro se realiza en un amplio espacio cerrado o al aire libre, exigirá del actor una gran energía escénica para que todos puedan contemplarlo, cualquiera sea la distancia en la que estén ubicados. De igual modo, su voz deberá ser potente, fuerte, audible y sus gestos amplios, visibles, definidos. Pocas sutilezas podrá mostrar el actor de teatro en estos espacios con tantos espectadores.

En el cine, en cambio, el actor trabaja para la cámara, la cual está ubicada a muy poca distancia de él (según el tipo de plano que se utilice). El espacio puede ser real o bien, un estudio donde se han reproducido lo más verosímil posible las características del lugar. No necesitará levantar la voz, pues tendrá un micrófono casi sobre su cabeza, ni hacer gestos ampulosos pues la cámara delatará el más mínimo exceso de energía o exterioridad. Mientras menos haga mejor será su trabajo, mientras más simple e intenso se muestre, mejor será su actuación. Si bien, la escala de una actuación cinematográfica puede ser menor que la de una actuación teatral, ambas en términos de intensidad deben ser igual de grandes.

La adaptación de los actores del teatro al cine estuvo determinada por razones tanto de orden material como psicológico.

En el escenario, debes dar una actuación.
Frente a la cámara sería mejor que tuvieras una experiencia
Respecto a la segunda, un actor de teatro puede perfectamente utilizar su base técnica en el cine, siempre y cuando la misma se adapte a las condiciones del medio.

El cine, mucho más que el teatro exige una naturalidad que el teatro no necesariamente requiere.

En este proceso de adaptación, el saber analizar un texto, trabajar en equipo y construir un personaje serán grandes ventajas pero comportarse de manera realista y veraz delante de la cámara, le será una tarea rigurosa que le demandará una firme disciplina.En el teatro, el actor lo es todo... el teatro es el santuario del actor: el ruido, la respiración, la materialidad de su cuerpo sobre el escenario dan fe que no está en ninguna otra parte al mismo tiempo.
El instante teatral es efímero, único, irrepetible...

Con esto entendemos que en el cine, las condiciones del trabajo para el actor son bien distintas. El actor de teatro deberá aprender a ser antes que interpretar y esto exige un nuevo tipo de actor.

¿Qué es lo que demanda técnicamente el cine a un actor?

Ni más ni menos que una atenuación de la interpretación, una equilibrada mezcla de acción y retención.

A fines del siglo XIX, Konstantin Stanislavsky comenzó a sondear en las leyes orgánicas de la creación y pronto impuso en el escenario un reflejo veraz de la vida que se oponía al estilo excesivamente teatral que imperaba en ese momento.

Tal organicidad en los actores paso a ser el fundamento del naturalismo teatral y la futura base de un tipo de actuación cinematográfica.

Ya a principios del siglo XX, otros artistas rusos como el cineasta Lev Kulechov se alejaron abiertamente los métodos del teatro realista.

Lejos de buscar cualquier naturalidad en el personaje, optó por una cuestión de construcción y síntesis.

Esto lo emparentaba a la propuesta de Vsevolov Meyerhold, mentor de la biomecánica, que perseguía una precisión de la acción realizada de un modo no realista y exento de movimientos inútiles, sin descuidar la emoción, producto de tales acciones físicas. Para ambos, la precisión psicológica del gesto era vital.

En tanto para Bertold Brecht como para Sergei Eisenstein desaparece el actor en cuanto realidad física y humana y se reduce a la abstracción de una idea, a la plástica de un contorno.

Como vemos, el trabajo del actor de cine empieza a enmarcarse en las teorías de la fotogenia y la fisonomía.
Federico Herrero no pretende dotar de talento al actor sino ofrecerle las técnicas que permitan controlar ese talento.
Al intentar ser lo que es, el actor no actúa y esto es de una gran valía para el cine. Esto confirma el éxito y el prestigio del Método dentro del mundo cinematográfico.
Independientemente de las técnicas que el actor use, algo es contundente: debe mantenerse en una inestable frontera entre lo verdadero y lo simulado. Esto tal vez explique la gran demanda de no actores en el trabajo cinematográfico, pues a ellos se los elige porque se parecen al personaje.

Lo cierto es que el mejor actor de películas debe ser aquel que nos hace olvidar que existe un actor y que a la vez, que estamos en presencia de una actuación.

Finalmente, la tercera, nos sitúa en la especificidad del medio y su lógica. En el rodaje, el actor de teatro no necesariamente tendrá que interactuar con otro personaje, muchas veces le hablará a la cámara sin que haya otro actor detrás de ella o mostrará sus emociones en un primer plano. Deberá entender que su trabajo será una pieza más en el juego de ajedrez que es la filmación de una película y no el eje central, tal como ocurre en el teatro.

Otra gran cosa que deberá aprender es a negociar con la polaridad continuidad – discontinuidad. En el teatro, el actor cuenta con la ayuda del impulso dramático que da la continuidad de toda la obra, en el cine, se ruedan momentos aislados, lo cual provoca un terrible desajuste de la línea continua de pensamiento que lleva el actor.

Así como el teatro tiene como premisa básica, la acción, y con ella, hay que convencer al público; En las películas, es la reacción la que da la fuerza a cada momento, por eso es tan importante escuchar en las películas, así como el uso de los ojos en el primer plano.
Otra diferencia notable es que en el cine, el actor es como un fantasma, una imagen virtual. No vemos su carne, su sudor, su respiración, ni nada concreto como sucede en el teatro, donde si hay un cuerpo expresando en el aquí y ahora delante de la mirada del espectador.
Como hemos visto el oficio y el concepto mismo del actor sufre una brutal transformación en su pasaje del teatro al cine, que nos hace pensar en dos caras de una misma moneda pero con características bien definidas.

Un buen actor de cine es aquel que alcance una síntesis entre naturaleza y técnica.

Por una lado, aprender a manejar un gesto con la mayor precisión técnica pero a la vez con una absoluta naturalidad o hacerse entender sin hablar, comunicando todos su mundo interior serán para todo actor que intente trabajar en el cine: la mayor ambición y el mayor desafío.
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